在流行导刊所做2007年盘点中，“艺术与交流”是关键词之一。2007年，相继在北京和上海举行的“和·中韩交流FashionArt邀请展”实现了“零”的突破，填补了中国当代 时装艺术领域的空白。这个展共有29位中国时装设计师和31位韩国时装设计师参加。本报记者专访了两位参展者———韩国设计师琴基淑和中国设计师邹游，以及在国内最早做FashionArt作品的清华大学美术学院副教授李薇。他们从时装设计师和专业教师两方面的角度，对于FashionArt作品以及艺术与服装设计的关系提出了各自的观点。

服装语言从平面的(画框上的画)转换成三维的过程

    为什么做Fashion Art

    琴基淑(韩国服饰学会会长、韩国弘益大学教授)：服装有两个目的：一个是实用的，一个是艺术的。这次服装体现的就是艺术的感觉。服装设计师可以从这些作品中得到灵感，使他们的服装设计得更好。这次FashionArt邀请展是中韩艺术交流活动之一。大家先交朋友、之后是交流，这是设计师之间的交流。目的是发展我们的专业，促进中韩服装产业的发展。

    邹游(北京服装学院讲师)：服装是一个载体，看创作者介入的程度。创作者把它当作一个艺术品来做，那么它的结果就是一个艺术品，如果把它当作成衣来做，那么它的结果就是一件成衣。其中很关键的是创作者的审美判断力。物的存在取决于创作者的起点。这是FashionArt与成衣的区别。

    李薇(清华大学美术学院副教授)：这次展示的FashionArt有的作品是单纯为欣赏的，有的是可以穿着的。FashionArt作品不在于强调是否可穿，而在于通过这种引导和训练，提升设计师的设计水准。服装在使人赏心悦目的同时，也给人带来思考。

    Fashion Art表达什么

    琴基淑：我参展的作品，采用了中国旗袍的造型，但是表现出的却是韩国的感觉。为什么？因为它外在的很多触角让服装整体有一种动的感觉，这是韩服的特点。动感也表现出生命、力量。

    邹游：每个人都穿衣服，我想通过作品传递出衣服是人的再创造的表现，衣服与人是一种互动的关系，以及如何与参观者互动，让观众参与进来。服装语言如何从平面的(画框上的画)转换成三维的服装。我尽量避免符号化地挪用传统文化，更想强调文化是一种精神性的东西。李当岐老师看了我的作品觉得像中国的袍服，我想就是这种感觉。服装上没有直白的中国元素，因为用的是油画布。通过面料的层叠，拉链这种现代服装配件的装饰，产生出这种效果。

    李薇：跨越艺术领域让人的眼光和思维打开，而并不影响服装设计本身。我是第一个拿艺术服装作品参加全国美展的设计师。我的FashionArt作品出现在2001年，清华美院的前身中央工艺美术学院举办的名为科学与艺术的展览上。作品出来后在国内和国外都产生了较大反响，那年我还到法国举办个展。2004年我的设计作品在全国美展上获得金奖。

    我在转换，用艺术思考去做服装、做装置作品。我记得2004年，中法艺术年在法国马赛举办中国当代艺术展，法国的策展人找到我。参加此次展览的有像方力钧、岳敏君、马六明这些中国当代艺术家的作品，服装领域只有我一个人，这也是服装设计作品第一次进入中国的当代艺术展。2005年在韩国的设计双年展上，我作为中国的设计师展示了FashionArt作品。从这次双年展上，可以看出国外设计师的作品中有概念性强的，也有互动性强的，也有面向未来的。

    邹游：FashionArt作品带给人的思考最重要。在进行参展作品的创作时，我给自己定了一个要求，服装体现出一种观念的传达。每个人在设计表现上的出发点不同，在这件作品的创作上我有一些思考。这次展览主题是“和”，我考虑在设计上如何体现出平面裁剪概念的置换。

    李薇：我创作的基础和前提是要让服装提升，不仅可以穿着，也可以欣赏。FashionArt的创作过程很难，它是一个不断体验、总结的过程。这个体验过程有酸甜苦辣。如果只是做日常装的设计，不会体验这么多。做的过程中，要挖掘表象东西的内涵。每件作品就好像是镜子，从中表达出设计师对生活的理解。这能看出设计师做的功课有多少。

    Fashion Art体验创作过程，这个过程让人对生命、对生活的状态有一个综合认识。现在学生动手能力在减弱，很多设计可以直接拿到企业去完成制作。而FashionArt作品的不同在于设计师要自己动手。这个过程带给人思考和快乐，这里有人性的东西。设计制作过程中有对服装、对人体工学、审美甚至心理的思考。如果不去亲历这个过程，这些思考可能完全不存在。

    邹游：人类求新、求异的创造天性不可磨灭，当今的发展中，国外很多设计师已经跳脱出纯粹将服装作为一种日常品、实用品思考的层面，更多地将服装这种载体融入更多哲学、审美的思考。国际上很多反映出的现象是让服装带有更深层的思考，服装这种载体有一种无间的效果。